A los creadores de The Dark Crystal: Age of Resistance les encantaba lanzar títeres

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El hecho de que haya marionetas involucradas no significa The Dark Crystal: Age of Resistance Es para niños pequeños. "No es como lo llaman los Ligero Cristal", Bromeó el productor ejecutivo Javier Grillo-Marxuach con El borde en la víspera del estreno de la serie de Netflix, que sirve como precuela del drama de fantasía favorito de culto de 1982.

Grillo-Marxuach trabajó junto a los productores ejecutivos Jeffrey Addiss y Will Matthews para resucitar el mundo de Thra. Utilizaron una mezcla de tecnología reciente y artesanía de la vieja escuela para retratar a los clanes Gelfling que vivían bajo el gobierno del malvado Skeksis. Mientras apunta a un público adulto joven, la historia presenta apuestas reales, giros oscuros y acción intensa. Louis Leterrier, quien dirigió El transportador y El increíble Hulk, dirigió cada episodio.

Addiss, Matthews y Grillo-Marxuach se sentaron con El borde para discutir la realización de la serie, que cuenta con un elenco de voces notable, que incluye a Taron Egerton, Anya Taylor-Joy, Jason Isaacs, Mark Hamill, Eddie Izzard, Keegan-Michael Key, Awkwafina, Simon Pegg, Alicia Vikander, Andy Samberg y Helena Bonham Carter, así como algunos títeres verdaderamente modernos. Cómo llegó la tecnología para ayudar a la narración de cuentos, y viceversa, es casi tan fascinante como la historia que se cuenta.

Esta entrevista ha sido editada para mayor claridad y concisión.

¿Cómo te involucraste con este proyecto?

Jeffrey Addiss: Bueno, es el matrimonio de la suerte y el trabajo duro. Entonces (Will Matthews y yo) estábamos pensando que realmente nos gustaría hacer una secuela de Laberinto. Y pensamos: "Bueno, ¿qué vamos a perder?" Así que les dijimos a nuestros agentes que llamaran a la Compañía Henson. No querían trabajar en Laberinto 2, pero dijeron: "Estamos trabajando en un Cristal oscuro cosa. ¿Quieres hacer eso? ”Así que nos quedamos despiertos toda la noche y obtuvimos un gran lanzamiento para una secuela. Entramos a conocer a Lisa Henson en su oficina, y ella dice: "Estoy muy contenta de que estés aquí para contarnos sobre tu idea para nuestro programa de televisión precuela". Y pensamos: "¡Sí, no hay problema! ¡Podemos hacerlo!

Cuando obtuvimos la luz verde, fue cuando entró Javi, porque nunca habíamos estado en una sala de escritores, mucho menos en una. Fue una experiencia muy colaborativa.

Javier Grillo-Marxuach: Decimos que trabajar en un producto de Jim Henson es un deporte de equipo. Con este más que cualquier otra cosa, el tema de todo el espectáculo es la unidad. El ethos de Jim Henson es muy colaborativo. Involucra a muchos artistas diferentes en todas las disciplinas, incluida la escritura.

Todo sobre este proyecto fue realmente informado por esta idea de que todos éramos colaboradores trabajando en algo más grande que todos nosotros. El tropo que circuló fue que se trataba de un jardín que se había cuidado durante 37 años, y que íbamos a cuidarlo por un tiempo. Podríamos decidir dónde colocar plantas, pero era parte de nuestro trabajo mantener intacto el legado y hacer un nuevo honor a ese legado.

JA: No estropees el jardín porque, con suerte, podremos pasarlo a otra persona. Teníamos todo el espacio que queríamos, nunca hubo un mandato de "No puedes". Creamos personajes completos, protagonistas y arcos. Nos dieron mucho espacio.

JGM: Para darle un ejemplo concreto, entramos y miramos la cabeza esculpir el títere Científico, y lo esculpieron con dos ojos. Pensamos: "Bueno, en la película, tiene un ojo mecánico". Y dijeron: "Lo sabemos, pero tenemos que esculpirlos por completo, y luego sacaremos el ojo y lo colocaremos en el ojo mecánico". porque ese es un accesorio separado ". Y luego dijimos:" Bueno, necesitamos contar una historia sobre la duplicidad de Chamberlain y su capacidad para maniobrar eventos a su favor. Tengamos al Científico con dos ojos al principio, y muestremos cómo solo tuvo un ojo ". Y luego eso nos ayudó con nuestra narración.


Foto de Kevin Baker / Netflix

Hubo un momento en que esto se estaba desarrollando como una serie animada. ¿Por qué cambió eso?

JA: Netflix estaba desarrollando una serie de precuelas animadas. Y llegamos solo después de que Netflix llamó a Lisa y dijo: "Hagámoslo con títeres". Ella dijo: "¿Estás seguro? ¿Sabes lo difícil que es eso? "Es un testimonio de Netflix que dieron este salto loco de fe e hicieron el espectáculo correctamente. Debe hacerse con títeres. Debería ser de acción en vivo. Debería sentirse tangible. Es un mundo creado y creado.

Will Matthews: Fue una suerte que cuando llamamos, estaban en un nuevo comienzo, y pensamos: "Está bien, genial. Así es como lo haces ". Y todo se unió.

JA: Creo que el espectáculo animado era un poco más joven, un poco más mágico. Estábamos un poco más arraigados en este mundo. Sentimos que este era un mundo mucho más tangible y sucio. Pasamos mucho tiempo literalmente ensuciando los títeres.

JGM: Vimos esto como un drama de 10 horas. Nunca lo vimos como "un espectáculo de marionetas". Entramos en esto con la intención de hacer Game of Thrones y señor de los Anillos, algo que podría competir con esas propiedades. Y lo que informó todo lo que hicimos fue que necesitábamos tener personajes con vidas internas ricas y un mundo con apuestas reales.

El elenco de voces grabó sus líneas después de la producción. ¿Hubo casos en los que en el set, la línea iría en una dirección, y luego en la publicación, intentarías algo diferente?

JA: Sí, y hubo momentos en que la producción fue tan rápida que literalmente solo (tenía la boca de los titiriteros) entre ocho y 10 sílabas, y luego podía volver más tarde y escribir la línea. Lo hice muy raramente, pero a veces sucedió, y también podríamos crear esos momentos en la publicación.


Foto de Kevin Baker / Netflix

¿Eso llevó al elenco a improvisar?

JA: Teníamos a Eddie Izzard. Es una de sus grandes habilidades. Es complicado porque tenemos muchas reglas en términos de palabras. Como, tratamos de no asignar géneros a los Skeksis. Está muy controlado y con guión. Pero dentro de eso, si el artista tiene una idea, y podemos hacerla coincidir con las aletas de la boca, se nos ocurrirá una nueva línea.

WM: Eddie Izzard consiguió "bugger" adentro.

JA: Fue muy divertido y nos hizo reír, así que ahí vamos. Todos se están construyendo el uno del otro. Y los actores de voz se pusieron muy protectores con sus titiriteros. Como Taron (Egerton) sería como, "No, no, Neil (Sterenberg) es mío". Forman una conexión. Es una síntesis. Todos los titiriteros también tienen voces en el espectáculo, por lo que están por todos lados.

En las escenas de tu grupo más grande, ¿cuántas personas estarían en el set?

JA: En promedio, creo que éramos como 200 personas porque también teníamos nuestras tiendas en el almacén. Asumimos un espacio de almacén con 89 juegos, que era aproximadamente del tamaño de dos campos de fútbol. También teníamos una tienda de criaturas allí. Por lo tanto, hay mucha gente, incluso separada del departamento de diseño y arte, mucha gente en el edificio separada de lo que está en el set, si eso tiene sentido. Y luego, en nuestros días más importantes, creo que tuvimos 100 titiriteros en el set, lo cual es una locura. Algunos de ellos están haciendo control de radio o segunda unidad, cosas así. A veces teníamos titiriteros simplemente sosteniendo dos títeres en el aire como telón de fondo porque, como, "Necesitamos cuerpos en la pantalla". Creo que si alguna vez cogiste un títere y viviste en Inglaterra, en algún momento, terminaste trabajando en El cristal oscuro. Era grande.

WM: Una cosa sorprendente sobre los titiriteros que no creo que todos entiendan es que pueden interpretar el papel principal de un personaje, una gran parte de un personaje principal, y luego, en la siguiente toma, son la mano izquierda de otra persona. Realmente son una compañía. Hay una falta de ego. Se mueven de un personaje a otro. Es realmente alentador sobre la humanidad.

JA: Realmente se siente como la idea de una compañía de teatro de la vieja escuela, donde en un momento, tú eres el protagonista, y al momento siguiente, le estás entregando una taza a alguien. Así es como lo tratan. Es bastante genial.


Foto de Kevin Baker / Netflix

¿Cuántos titiriteros se necesitan para operar un Gelfing?

JA: Usualmente tres. Tienes al titiritero principal que está haciendo la boca y un brazo, luego tienen una ayuda haciendo el otro brazo, y luego hay alguien haciendo control de radio de los parpadeos del ojo, y cosas así. A menos que seas Alice (Dinnean), quien hizo Brea. Alice tenía un sistema de rendimiento separado donde ella controlaba mucho de eso, con un nunchuck literal de Wii que convirtieron. Por lo tanto, a menudo solo tendría ella misma y una ayuda porque tenía el control de muchos de esos movimientos faciales.

WM: Es una de las razones por las que Brea es tan bueno en los ojos.

JA: Sí, porque esa es Alice, haciendo cada parte de esa actuación junto con su ayuda haciendo la otra mano, todo al mismo tiempo.

JGM: Una de las cosas más divertidas de hacer este trabajo era todos los viernes, teníamos una reunión en la tienda de criaturas. Y estábamos viendo a la gente de allí innovar nuevas formas de hacer títeres. Entonces, por ejemplo, un día llegamos allí, y las impresoras 3D se estaban apagando. Obviamente, la impresión 3D ha sido una bendición para este tipo de narración. Pero estaban construyendo un sistema que fue diseñado a medida para las manos de los titiriteros, con controladores individuales por dedo, para que el titiritero tuviera total fidelidad de sus movimientos de manos a la mano al final de la barra.

También estuve allí el día que probaron por primera vez el sistema de inteligencia artificial con el controlador Wii nunchuck. Pudimos ver, en tiempo real, cómo estaban tomando este arte de los títeres que habían hecho durante tanto tiempo, y al enfrentar los desafíos del espectáculo, creando nuevas tecnologías para hacer las cosas que la tienda de criaturas ha estado haciendo durante 50 años. años. Una de las cosas más interesantes fue ver cuánto imprime en 3D ahora y cuánto ayuda a construir piezas personalizadas para títeres, piezas personalizadas para todo. Ese proceso ha cambiado el juego.

WM: Recuerdo que un día en la tienda, uno de los diseñadores me entregó muy gentilmente el cetro del Emperador. Él dijo: “Ten cuidado. Este es el original de la película ”. Y luego, accidentalmente, lo deja caer y comencé a gritar. Y luego dijo: “Oh, no, simplemente lo imprimí en 3D. Es simplemente una combinación perfecta ".Risas.)

JGM: A pesar de que Jim Henson Company no es exactamente laxo con respecto al archivo, son los cuidadores del legado de uno de los creadores más venerados en la cultura popular, hay ciertas cosas en las que tuvieron que hacer conjeturas. Un día, fui a la tienda de criaturas, y había un chico haciendo un aerógrafo con la piel de Aughra. Tenía una revista que se imprimió en 1982 cuando salió la película, tenía fotos de la película y algunos de los libros que salieron cuando salió la película. Porque nadie podía entender cuál era el color real de Aughra. Se ve diferente en diferentes tomas debido a cómo está iluminada, la forma en que cualquier actor se vería diferente. Entonces, a veces estás viendo un duplicado exacto de lo que estaba en pantalla hace 37 años, y algunas cosas en pantalla son suposiciones educadas.


Foto de Kevin Baker / Netflix

Cuando se trataba de elaborar las secuencias de acción, ¿se sintió limitado al saber que tendría que ejecutarlas con títeres?

JA: No se trataba de limitaciones. Se trataba de colaboración. Louis tenía una muy buena idea de cómo iba a disparar.

WM: Fue un storyboard muy impresionante. Recuerdo muchas versiones de guiones gráficos.

JA: Pero no hay nada que yo diría que alguna vez lanzamos, que alguien haya dicho: "No podemos hacer eso con títeres, está demasiado lejos". Lo cual es una locura.

WM: Quiero decir, todo el mundo intenta empujar el sobre todo el tiempo. Y así, todos son los mejores en lo que hacen. Y todos intentan encontrar una solución. Entonces fue realmente muy gratis.

JGM: Una secuencia de acción no es diferente de un número musical. En un escenario musical, es lo que sucede cuando el diálogo ya no tiene un propósito dramático. Entonces siempre tienes un norte verdadero, cada vez que estás escenificando este tipo de cosas, en lo que está contando la historia, lo que está llevando a casa las apuestas emocionales. Entonces, hay un montón de secuencias en las que tal vez no estás viendo lo que se nos ocurrió en la sala, no porque los títeres no pudieran hacerlo, sino porque no había suficiente tiempo o dinero o lo que tienes. Pero todo lo que está en el programa está ahí para servir a la realidad emocional del mundo y los personajes. Y ya sea que esté haciendo drama o títeres, las secuencias de acción son difíciles de coreografiar, tecnológicamente difíciles. Pero siempre tienes tu verdadero norte de lo que está sirviendo al personaje y la historia.

Puede hacer casi cualquier cosa con CGI en estos días si tiene suficiente tiempo y dinero, pero esto se siente mucho más real.

JGM: Tratamos a los títeres de la misma manera que a los actores en una película. Hay un gran tema de conversación en Cristal oscuro cobertura sobre "Oh, ¿no usaron CGI?" Bueno, por supuesto que sí. Estamos construyendo un mundo. Es un gran proyecto de efectos visuales. Pero los títeres son el evento principal, los títeres son los actores.

La mayor lección que creo que todos podemos aprender del CGI en la realización de películas es que debemos ser selectivos sobre lo que elegimos mostrar en la pantalla. Porque, en última instancia, uno de los inconvenientes de poder hacer cualquier cosa y todo es que obtienes demasiado. No tienes suficientes vacíos en la narración de cuentos que te involucran. Hay una razón Guerra de las Galaxias ganó el Oscar a la mejor edición. Es debido a que su tecnología era lo suficientemente limitada como para que tuvieran que tomar decisiones muy sólidas sobre cómo la película que se estaba reuniendo sirvió para esa historia. Y con nosotros haciendo esto, a pesar de que tenemos acceso a todos estos títeres, a pesar de que también tenemos acceso a la tecnología CGI, necesitábamos ver todo esto y descubrir, cuando el caucho se encuentra con el camino, ¿cómo hacemos? escenas para que solo sirvan historia?

JA: Esa es una respuesta muy altruista. Te diré, una de las cosas más divertidas es tirar títeres de las cosas. Acabamos de pasar el mejor momento. Entonces, si miras el programa, si te das cuenta en la mitad posterior, los títeres comienzan a tirarse más porque simplemente nos gustó. Solo tirar esas cosas fue lo mejor.

JGM: Hicieron tanto títeres que será un evento olímpico.

JA: Nos hicimos muy buenos en eso.

JGM: Mucha gente verá esto y asumirá que hicimos muchas cosas con CGI. Y la verdad del asunto es que muchas veces, no lo hicimos. Estás viendo tecnologías realmente anticuadas que funcionan en concierto con CGI. Quiero decir, gran parte de este producto está hecho a mano. Creo que será interesante descubrir qué pensaba la gente qué era y con qué frecuencia tenían razón o no.


Foto de Kevin Baker / Netflix

Se dice que si Jim Henson tuviera esta tecnología, la habría utilizado de la misma manera.

JGM: Jim Henson no era exactamente un ludita. Si nos fijamos, por ejemplo, Emmet Otter’s Jug-Band Christmas, gastaron mucho tiempo y dinero descubriendo cómo hacer que Kermit montara en bicicleta en el prólogo, y luego esa tecnología se aplicó a todas las películas que vinieron después. Los títeres no son un arte estático. Es un arte que depende de la tecnología. La tecnología sigue alimentando la nave.

WM: Dicho esto, no hay nada mejor que un par de Podlings gritándose el uno al otro.

JA: Porque son los más títeres. Hay variaciones de cómo títere puedes obtener con él. Sí, los Gelflings son más "humanos". Tienen un poco más de peso. Pero un Podling puede correr, gritar, caerse, saltar, emborracharse y salir corriendo por la puerta, y lo está pasando muy bien. Un Gelfling haciendo eso no se siente bien; un Skeksis haciendo eso no se siente bien. Entonces, los Podlings son realmente divertidos y liberadores porque son solo comedia física.

WM: No has vivido hasta que has dicho a Lisa Henson: "No deberías poner eso en el guión". "¿Por qué no?" "Podría ser demasiado títere". "¡Supongo que lo sabrás!"

¿Tiene un público objetivo en mente para esto en términos de edad?

JA: Creo que Netflix sí, y creo que otras personas lo hacen. Solo tratamos de escribir la historia que nos pareció correcta. Estábamos pensando en audiencias más jóvenes. No estábamos tratando conscientemente de ir a "lugares oscuros". Eso es parte del espectáculo porque es parte del legado. Hubo momentos en los que tuvimos largas conversaciones sobre la violencia, pero no fue desde la perspectiva de tratar de alcanzar una edad. Estaba tratando de decir: "¿Cuál es el punto de la violencia? ¿Cuáles son las repercusiones de la violencia? ¿Y cómo es parte de esta historia?

¿Tienes un plan para una segunda temporada?

JA: Sí, tenemos un documento escrito que planea la temporada 2. Todos están muy entusiasmados con eso. Y ahora solo esperamos ver cuáles son los números y esperar esa llamada telefónica que tenemos para volver a Thra.

WM: Si lo ves, lo escribiremos.

La producción en la temporada 1 supuestamente involucró mucho desarrollo, construcción y planificación. ¿Crees que la temporada 2 comenzaría mucho más rápido?

JA: Creo que sería más eficiente, pero trataría de usar el tiempo para hacer que el espectáculo sea aún más grande y loco.

JGM: Sabemos un poco sobre lo que puede hacer con títeres y cuál es la ventaja. Pero estamos listos para pasar al siguiente nivel después de eso.

Además, más títeres.

JGM: Lanzamiento de marionetas a nivel olímpico.

JA: Oh Dios mío. Es muy divertido tirar títeres.

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